domingo, 12 de mayo de 2019

Fenómeno físico-armónico

Hola a tod@s, hoy vamos a hacer una actividad un poco diferente, se trata de ordenar los armónicos de la nota DO para repasar el fenómeno físico-armónico.
Fuente: pixabay.com

El fenómeno físico-armónico nos permite realizar una presentación visual de la serie armónica que compone una nota, en este caso, la nota DO. Nos permite reconocer la generación de intervalos a partir de un sonido fundamental y es la base de muchas teorías de la Acústica en relación a la consonancia/disonancia, relación interválica, sistemas de afinación, así como la justificación del acorde Perfecto mayor.

Para trabajarlo, utilizaremos esta plantilla de Genial.ly para ordenarlos arrastrando cada nota. Fijaos que si colocais el ratón encima de cada nota os dice cuál es según el sistema franco-belga. Tan solo tendréis que arrastrarla al lugar correspondiente.

Una vez tengáis todas las notas colocadas, podréis ver la solución (no hagáis trampa!) y tocar ese DO en el piano a ver cuántos armónicos sois capaces de escuchar.

A por él!



Hasta la próxima!

jueves, 2 de mayo de 2019

Modulación cromática

Hola de nuevo, en la entrada de hoy os propongo un video introductorio a la modulación cromática que tenía pendiente y no encontraba el momento de hacerlo.

No es que sea la explicación definitiva pero bueno, es un acercamiento para que podáis ver ejemplos y cómo pensar la modulación cromática en armonía o localizarla en análisis.

Para cualquier duda, os animo a comentar en esta misma entrada o en el canal de Youtube.

Ánimo y a modular se ha dicho!



¡Hasta la próxima!

viernes, 26 de abril de 2019

Página de facebook de Arnold Schoenberg

¿Y si Arnold Schoenberg hubiera conocido Facebook?

Investigando en aplicaciones para trabajar Historia de la música en el aula he llegado a Fakebook, una aplicacion para crear perfiles tipo Facebook donde podemos ir anotando posts, amistades, fotos... y así configurar perfiles.

Es una herramienta muy útil para utilizar en las clases puesto que es sencillo y lo pueden hacer los mismos alumnos.

La rutina podría ser la siguiente: dividimos la clase en grupos y cada grupo se encarga de un compositor. Su labor será buscar datos para elaborar el perfil del compositor asignado, con lo que tendrán 1 hora para investigar e ir rellenando el perfil. Posteriormente lo compartirán con sus compañeros. De esta manera podemos trabajar la historia sin que sea algo aburrido o teórico.

Comparto un ejemplo de Facebook de Arnold Schoenberg que podéis ver pinchando en la imagen siguiente:




Os dejo algunas imágenes por si no podéis entrar:

Autoría: Cristina Tormo

Autoría: Cristina Tormo




Autoría: Cristina Tormo

Hasta la próxima! 😊

miércoles, 24 de abril de 2019

Intervalos y acordes

Autoría propia: Cristina Tormo.

Hola de nuevo, hoy os presento una actividad para repasar intervalos y acordes, puede ser apta tanto para alumnos de Lenguaje musical como de Armonía
(3º EE.PP.) para repasar contenidos básicos.



Consiste en preguntas tipo Quiz para conseguir todos los animales de la granja. Plantilla atractiva y fácil de confeccionar gracias a Genial.ly.

Espero que os guste.



Hasta la próxima!

miércoles, 17 de abril de 2019

Un poco de historia

Fuente: Pixabay.com
Tener en cuenta la historia de la música es importante para conocer las características de las piezas y/o compositores que estamos trabajando en clase.

Está claro que cada compositor tiene su estilo personal y que incluso cada estilo tiene diferencias según la pieza que estemos analizando.

No obstante, teniendo presente la evolución, podemos ver las cosas de otra manera y entender mejor el pensamiento de la época.

Por ello, he elaborado esta plantilla de Genial.ly para que juguéis a colocar cada acontecimiento en su año correspondiente. Tan solo hay que arrastrar la imagen (con el puntero encima os dirá a qué se refiere) encima del año que creáis que es.

No os asustéis... es muy fácil! ya iremos complicando más adelante... 😜




Hasta la próxima!

viernes, 12 de abril de 2019

Funciones tonales (juego)

Los acordes suelen ejercer un papel determinado según en el lugar que se encuentren en el discurso musical. Esta nomenclatura vino definida por Rameau en su tratado de 1722 según Diether de la Motte. Posteriormente, Hugo Riemann concreta los acordes que pertenecen a cada función.

En la música tonal las funciones de los acordes son 3:

-       TÓNICA: como centro tonal
-       DOMINANTE: como tensión hacia ese centro tonal
-       SUBDOMINANTE: como alejamiento del centro tonal

Ya hemos hablado de los acordes y las funciones que tiene cada grado. Hoy nos centraremos en las funciones tonales de la música del periodo considerado como "clásico".

En esta plantilla de Genial.ly podemos jugar para ver si controlamos las funciones de este periodo, para jugar tan solo tenéis que seguir las instrucciones.

A ver qué tal se os da... 😜



Hasta la próxima!

sábado, 30 de marzo de 2019

Dia del piano #pianoday




Me he enterado un poco tarde que hoy es el día del piano, así que, aunque ya se me acaba el día, he creado un juego con Genial.ly para celebrarlo.


Espero que os guste y a tocar se ha dicho!



Hh

Hasta la próxima!

lunes, 25 de marzo de 2019

25 de marzo: Bartok y Debussy (Propuestas de audio 23 y 24)

El 25 de marzo es una fecha señalada en la historia de la musica: tal día como hoy del año 1881 nacía Béla Bartok (1881 - 1945) mientras que el mismo día pero de 1918 fallecía Claude Debussy (1862 - 1918).

Ambos compositores fueron coetáneos y cada uno destacó en su estilo y en su lenguaje propio.

Claude Debussy, considerado músico impresionista se dedicó a desarrollar una tonalidad melódica que incluía modos, escalas, acordes con sonoridades poco conocidas... enmarcados en un ambiente puntillista y delicado.

Bela Bartok por su parte, se especializó en el lenguaje folclórico de Rumanía, Bulgaria... grabando canciones populares para después transcribirlas y se convertirían en material para sus obras.

Pero si en algo coincidieron fue en el lenguaje interválico. Podemos encontrar un artículo de la revista Quodlibet de David Paul Goldman, que habla de este tipo de lenguaje en Debussy pinchando AQUÍ.

Os propongo que escuchéis esta pieza de la que se comenta en el artículo adjunto: Voiles. Fijaos sobre todo en la sonoridad de los tonos enteros y el movimiento de las voces:




De Debussy ya se ha comentado alguna obra y próximamente dedicaremos una entrada a un análisis de Bartok, hoy nos limitaremos a conocer sus elementos constitutivos.

Bartok utiliza en su música ritmos cojos (conocidos como aksak) como 5/8, 7/8... generalmente ritmos que no sean regulares procedentes de países del Este, más concretamente del folklore turco o búlgaro (según la fuente que consultemos). A estos ritmos les asocia los números primos: 1, 2, 3, 5, 8... que forman parte de la serie fibonacci (cada número de la serie es la suma de los dos anteriores). Con lo que si tomamos el Allegro bárbaro, utiliza patrones de acompañamiento que se repiten x número de veces siendo x un número de la serie Fibonacci.

Lo mismo en cuanto a las escalas. Si ordenamos una escala que esté basada en 3+2+3+2+3+2... obtendremos una escala que estará formada por 2 semitonos (1 tono) + 3 semitonos (tono y medio). Esto sería un ejemplo de formación de escalas en Bartok, que por supuesto no utiliza en todas las obras pero si en más de una.

Y lo mismo en cuanto a los acordes, bien es conocido su acorde Mayor-menor (mi - sol - do - mib) caracterizado por la simetría y por estar formado por intervalos de la serie fibonacci:


Otro término a tener en cuenta es la sección áurea. La sección áurea es un punto concreto que se considera como el punto perfecto de la proporción. En la escultura, arquitectura, pintura... estamos acostumbrados a verlo pero en música se sitúa en el punto del clímax de la pieza.

Esto lo podemos comprobar en la Música para cuerdas, percusión y celesta, cuyo primer movimiento de 88+1 compás está completamente estructurada según este principio áureo y lo podemos comprobar multiplicando el número total de compases (89) por 0,618. Esta operación nos da como resultado 55, compás donde se sitúa el clímax de la pieza (en fff).  ¿Casualidad o intención?

El sistema de ejes también es una característica que le atribuye E. Lendvai a Bartok. La relación del círculo de quintas le permite utilizar 4 notas diferentes con función de tónica, 4 con función de dominante y 4 en función de subdominante, con lo que el sistema tonal utilizado es funcional pero no a la manera "clásica". En la última entrada, donde os proponía un círculo de quintas interactivo, podéis ver cuáles serían los ejes si tomáramos como nota tónica el do, el la, el mib, o el fa#/solb. Podéis consultar la entrada AQUÍ.




Quedan otros muchos aspectos que comentar de Bartok, iremos desvelándolos en próximas entradas para adentrarnos más en detalle en su forma de componer, de momento, hoy celebramos su aniversario escuchando la pieza que os he comentado arriba a la cual tengo especial cariño, el Allegro bárbaro.




¿Y vosotros qué opináis? ¿Qué pensaría Debussy de esta pieza?

Hasta la próxima!



jueves, 21 de marzo de 2019

Círculo de quintas

Círculo de 5ª. Cristina Tormo
Hace tiempo que iba buscando un círculo de quintas sin derechos de imagen y que fuera atractivo para los alumno para poder utilizar en las clases o en mis materiales y como no he encontrado (o los que he encontrado no me gustaban), he decidido hacer el mío con una plantilla de Genial.ly, además ¿sabéis qué? ¡este es interactivo! (no os cortéis, hay muchos botoncitos que apretar...)

El círculo de quintas es un recurso necesario tanto para explicar el origen de las tonalidades y su relación con las alteraciones, las tonalidades vecinas, los intervalos o los ejes del sistema axial de Bartok, la base para realizar ejercicios de improvisación, etc.

Aquí podéis verlo e interaccionar con él y seguro que se os ocurren más usos, podéis aportarlos en comentarios y así nos enriquecemos todos.

Espero que os guste!




Hasta pronto!


martes, 19 de marzo de 2019

Composición de pequeñas piezas

Pixabay.com
Cuando te pones a componer pequeñas piezas, sobre todo cuando estás empezando, es complicado tener claro qué es lo que tienes que hacer o en qué te tienes que apoyar.

Melodía y armonía tienen que ir a la par mientras que el fraseo viene determinado por la combinación de ambos.

Es por eso por lo que he creado este Genial.ly para, una vez se ha hecho la explicación introductoria sobre los elementos que vamos a controlar, verificar si está todo claro.

Hace tiempo hice una entrada con los aspectos básicos que hay que tener en cuenta y podéis consultar pinchando AQUÍ.

Y ahora ya os dejo con el juego...

Por cierto, no os encanta esta plantilla? 😍


Hasta la próxima!

Cristina Tormo

sábado, 16 de marzo de 2019

Fuga en el S. XX_ Dorati (propuesta de audio 22)

La fuga es un procedimiento de composición utilizado desde el Renacimiento (aunque era conocido como Ricercare), que suponía una forma de componer en textura polifónica imitativa. No se le considera "forma" puesto que no es una forma fija, sino una textura o procedimiento compositivo.

A la hora de analizar una fuga, no podemos limitarnos a marcar secciones, se trata de estudiar todos los elementos que intervienen: sujetos, respuestas, contrasujetos, divertimentos, estrechos... y su relación tanto horizontal como vertical.

Las fugas más conocidas son las de J. S. Bach pero eso no significa que sean las únicas. Hoy os voy a enseñar un ejemplo de fuga menos conocida pero no menos interesante.

Autores que hayan escrito fugas podemos encontrar: Shostakovich, Reger, Bartok, Stravinsky, Ligeti, Bernstein...

En la fuga de hoy veremos el tercer movimiento de sus Cinq Pieces Pour Le Hautbois, titulada Fugue à trois voix para oboe solo, de Antal Dorati (1906 - 1988).

Pieza de 1980 que consiste, tal como nos indica el título, en una fuga para un oboe solo. En primer lugar llama la atención la escritura. Podemos encontrar la pieza escrita a una voz (fig 1), pero en el apéndice de la pieza nos aparece escrita a tres (fig 2).

En la Fig 1 podemos ver el inicio donde nos aparece el sujeto de la fuga con la cualidad de ser un sujeto escrito en técnica dodecafónica. Consta de 12 notas y podemos verlo marcado completo en color amarillo.

Estas 12 notas del sujeto (serie original 1) se organizarán en 4 motivos diferentes, motivo 1 (rojo), motivo 2 (naranja), motivo 3 (morado), motivo 4 (azul). Y aparecerá seguido de la respuesta (original 8), en la anacrusa del compás 5 alternado con el motivo 4 de otras series (importante el detalle del cambio de dinámica para diferenciar voces), para verlo más claro, comparadlo con la figura 2.


Figura 1. Fuga (1 pentagrama)


En esta imagen (fig 2), se ve mejor como la respuesta aparece completa, pero la voz que antes hacía el sujeto se convierte en una voz libre que desarrolla el motivo 4 (no hay contrasujeto).


Figura 2. Fuga (3 pentagramas)

La fuga sigue su curso y presenta elementos comunes a las fugas barrocas, aunque los desarrolla de una forma más libre dada la dificultad de cuadrar la serie dodecafónica y al tener que reducir las 3 voces a una línea melódica.

Nos presenta secciones de estrecho como en el compás 14-15 (fig 3):


Figura 3. Estrecho


Y vuelve a presentar estrecho con el inicio de la tercera sección con función reexpositiva (porque presenta el sujeto como en el inicio) y podemos ver en la figura 4.


Figura 4. 3ª sección.


En ese momento es interesante ver cómo estas 3 voces combinan el motivo 4 de forma descendente (motivo cromático) pero al tocarse de forma simultánea los 3 pentagramas da como resultado intervalos que van saltando dando lugar a un pasaje muy complicado (fig 5).

Figura 5. Compases 43 y siguientes escritos a 1 voz.


Para concluir, Dorati nos conducirá a una coda cuya primera parte se desarrolla sobre nota pedal articulada (en la nota RE) y nos lleva a una segunda parte escrita con cambio de tempo (Adagio) para concluir en una especie de cadencia libre del oboe (Fig 6).

Figura 6. Coda

Como veis es una pieza que no tiene desperdicio porque contiene todos los elementos que podemos encontrar en una fuga combinados con la técnica de escritura dodecafónica.

Os dejo con el audio a ver qué os parece el resultado.




Hasta la próxima!



lunes, 11 de marzo de 2019

Diccionario de términos armónicos

En la entrada de hoy os enseño un recurso que he hecho con una plantilla de Genially.
Fuente: pixabay.com

En este caso es un diccionario donde he incluido algunos de los términos utilizados en la asignatura de Armonía y la idea es ir ampliando poco a poco...

Me ha gustado mucho la plantilla porque da mucho juego y puede ayudar a los alumnos con la facilidad de consultar el término en concreto y se pueden añadir ejemplos. 

Espero que os guste... 




Hasta la próxima!


viernes, 8 de marzo de 2019

#8M. Día de la mujer (propuesta de audio 21)

Hoy, día 8 de marzo, reivindicaremos el día de la mujer y para ello hablaremos de una pieza de una compositora francesa.

Se trata de: Germaine Tailleferre (1892 - 1983).

Tailleferre es una de las compositoras conocidas en la historia de la música por su pertenencia al Grupo de los Seis junto a Georges AuricLouis DureyArthur HoneggerDarius Milhaud y Francis Poulenc. Este grupo de compositores eran un grupo de amigos que se conocieron en sus estudios en el conservatorio y un crítico les puso el nombre como recordatorio al Grupo de los Cinco (rusos) en una crítica quedando instaurado el nombre.

El Grupo de los Seis, cuyo maestro se suele considerar a Satie, es el precursor indiscutible de la vanguardia parisina. Sus obras presentan gran número de novedades armónicas: 
  •        Acordes por cuartas. 
  •        Eliminación de la barra divisoria del compás. 
  •        Omisión de alteraciones en la armadura. 
  •        Abandono de la técnica del desarrollo. 
  •        Textura lineal. 
  •        Diatonismo con influencias modales. 

En la pequeña pieza de Tailleferre titulada Pastorale (de 1919), encontramos sonoridades exóticas como puede ser la bitonalidad, acordes con 7ª, 9ª, sonoridad pentatónica...

En el inicio ya podemos encontrar dos planos diferenciados por los dos pentagramas del piano, en este caso, la mano izquierda encuadrada en la tonalidad de Re Mayor mientras que la mano derecha nos muestra alteraciones de Mi Mayor (aunque no aparecen todas las notas con lo que da una sonoridad pentatónica). Esta bitonalidad es una de las características propias que sirven como firma de la música de los compositores del Grupo de los Seis, además podemos observar que la pieza va dedicada a Milhaud, compañero del Grupo y especialista de esta técnica compositiva.

Veamos el primer ejemplo donde observamos el inicio de la partitura:




Posteriormente se volverá a establecer esa relación de bitonalidad como podemos apreciar en la siguiente imagen. Las marcas verdes son las diferentes notas a distancia de semitono que aparecen de forma simultánea y nos confirman la ambigüedad tonal.




En cuanto a otros recursos utilizados, llama la atención el último acorde. Se podría pensar en la bitonalidad mencionada anteriormente, o en el acorde de tónica de ReM 7ª o con notas añadidas lo que le confiere una sonoridad jazzística (2ª añadida a la 3ª del acorde).


En cuanto a la forma de la pieza, no se estructura en un tipo formal clasificado, se trata de una pieza que desarrolla un tema cantabile estructurado en antecedente-consecuente generado a partir de un motivo principal y que aparece transformado en diferentes apariciones, no como desarrollo sino como variación.

Todo esto nos deja una atmósfera con armonías que llaman la atención por la originalidad de la sonoridad clara y brillante.

Os dejo con la pieza para que la escuchéis a ver qué os parece...



Hasta la próxima!



sábado, 2 de marzo de 2019

Geografía de compositores (juego)

Hola a tod@s! hoy os comparto hoy en De todo un poco... un nuevo recurso para trabajar en clase de música y contribuir a aprender geografía.

Se trata de un juego realizado con Genial.ly que consiste en situar a cada compositor sugerido en su país de origen. 

De esta manera conseguimos relacionar asignaturas del conservatorio con las del instituto. En esta ocasión son compositores de diferentes periodos pero se podría hacer con compositores de un mismo periodo incluso de todos los continentes para así ubicar la localización de cada uno y ampliar conocimientos sobre ellos.

Qué os parece? A ver si acertáis... 



Hasta la próxima!


viernes, 1 de marzo de 2019

Carnaval (propuesta de audio 20)

Con motivo del Carnaval la propuesta de audio de esta semana es doble y además viene en forma de juego (hecho con Genial.ly)...

Hoy intentaremos diferenciar auditivamente entre dos carnavales, a ver si somos capaces de adivinar de qué compositor se trata, Robert Schumann o Camille Saint-Saëns.

Ambos tienen en su catálogo una pieza con título Carnaval, así que tan solo tenéis que dar volumen, afinar el oído y fijaros muy bien en los detalles... Ya me contaréis cómo ha ido...

A por ellos!


Hasta pronto!

domingo, 24 de febrero de 2019

¿Cómo te sientes hoy? (propuesta de audio 19 según estados de ánimo)

Fuente: Pixabay.com
Porque cada día es diferente a otro, hoy es propongo una imagen interactiva hecha con Genially. Ya sé que es un poco "friki" pero me parece divertida. En ella os propongo música para escuchar según el estado de ánimo en el que os encontréis, tan solo hay que pinchar en la casilla correspondiente y se os abrirá una ventana con un enlace a Youtube.

También nos sirve como idea o recurso para realizar imágenes interactivas para nuestras clases.

Por cierto, esos son mis gatitos Batiste y Tonet, que como veis, son súper expresivos... 😸





Hasta la próxima!!

sábado, 16 de febrero de 2019

Música del siglo XXI. (propuesta de audio 18)

A veces los alumnos preguntan: "y ahora ¿qué tipo de música se compone?"

Nunca sé qué contestarles, entonces les pongo algunos videos de compositores de actualidad. Hoy voy a proponer un par de esos videos.

Michael Beil.
Fuente: https://www.michael-beil.com/three
Está claro que cada compositor tiene un estilo propio y la necesidad de colocarles a todos la "etiqueta" del estilo, nos hace pensar en características que los agrupen y por eso en el siglo XX hay tantas corrientes diferentes. Conocemos muchas de esas corrientes (etiquetadas a posteriori) y la necesidad de cambio y de salir de lo convencional hacen que haya variedad de corrientes en contraposición a lo que había ocurrido hasta el siglo XX donde había unidad de estilo y nos era fácil  identificar en qué casilla metíamos al compositor: Edad Media, Renacimiento, Barroco, Clasicismo, Romanticismo...

Por tanto, a partir del siglo XX surgen muchas tendencias diferentes por la necesidad de cambio y en el siglo XXI seguimos más o menos igual, aunque no podemos ponerle nombre a las corrientes todavía (lo harán los analistas del futuro...). Así que no hay nada mejor que ver ejemplos de lo que se compone hoy en día para hacerse una idea.

Últimamente la coincidencia me ha puesto por delante varias obras de un compositor con estilo diferente a lo que estamos acostumbrados, se trata de Michael Beil. Pinchando en su nombre podéis acceder a su web (muy atractiva visualmente, por cierto), donde están todas sus piezas e información sobre las mismas y sobre él mismo.

Michael Beil es un compositor ecléctico que combina música electrónica, música en vivo y video, teniendo obras muy novedosas y que no dejan indiferente a nadie. La descripción de las obras la podéis encontrar en la página web pinchando en cada pieza y también tiene interpretaciones de cada una.

Captura de pantalla de la web de Michael Beil

Como podréis observar, lo que hace diferente en sus obras es que los intérpretes tocan y siguen unas instrucciones gestuales mientras se les va grabando y proyectando a la vez, por tanto, todo lo que van haciendo va configurando la pieza poco a poco dando como resultado una obra novedosa con un pensamiento como poco "diferente" utilizando las herramientas que tenemos a nuestro alcance hoy en día gracias a la tecnología.

En su canal de youtube también veréis las interpretaciones de sus piezas en este video que os muestro a continuación podemos ver Blackjack (2012), para 17 instrumentistas con audio y video en vivo.





A continuación os propongo otra muy interesante de 2017 para pianista sin piano, Key Jack:




Espero que os haya gustado y os invito a investigar más sobre este compositor y otros de actualidad.

Hasta la próxima!



viernes, 8 de febrero de 2019

Mixturas (propuesta de audio 17)

Fuente: Cristina Tormo con Witty Comics

En efecto, Debussy utiliza acordes paralelos pero, contrariamente a todo lo que decimos los profesores de armonía, estos acordes paralelos sí están bien vistos, porque son mixturas.

Diether de la Motte (Armonía, 1998) nos habla de mixtura a partir del sonido del órgano que aparece doblado a diferentes distancias (generalmente quintas y octavas). Es por ello por lo que podemos entender Mixtura como "un concepto armónico con connotaciones melódicas" referido a un fragmento en el que aparecen acordes que se desplazan de forma paralela. 

Según de la Motte hay diferentes tipos:
  • Mixtura real: desplazamiento exacto
  • Mixtura tonal: desplazamiento con notas de la tonalidad
  • Mixtura atonal: no enmarcados dentro de tonalidad ni siguiendo el mismo patrón
  • Mixtura modulante: utiliza la mixtura para pasar de una tonalidad a otra
  • Mixtura de encuadre: una o dos voces hace el movimiento paralelo, mientras se rellena no de forma paralela.
  • Mixtura de slendro: con notas de la escala pentatónica (más concretamente en forma de slendro)
  • Polifonía de mixturas: combinación de mixturas que van conducidas en movimiento contrario.

Pero, a qué suena una mixtura? pues a música medieval. En la Edad Media, allá por el siglo IX se empezó a utilizar el ORGANUM de forma oral (se improvisaba). El organum se cantaba a partir de una melodía gregoriana, a la que se le añadía una segunda voz que funcionaba en movimiento paralelo. Podía ser a la 8ª (doblando la melodía a la 8ª) o a la 5ª (doblando a la 5ª). Ese movimiento paralelo será el que se prohibirá más adelante al utilizar el pensamiento armónico puesto que cuando se hace movimiento paralelo no damos libertad a la segunda voz y realmente es como si sólo tuviéramos una (las 5ª paralelas se prohibirán además por problemas de afinación).





Debussy retomará este movimiento paralelo adaptándolo a su lenguaje, es decir, utilizado dentro de un contexto impresionista (con escalas pentatónicas, acordes de séptima de dominante...), y por tanto, dándoles una segunda vida a estos movimientos paralelos que De la Motte llama MIXTURAS.

Ejemplos de las mixturas podemos encontrar en el Preludio VIII de su primer libro de Preludios, La fille aux cheveux de lin (La muchacha de los cabellos de lino). Ahí podemos ver diferentes tipos de mixturas:

Ejemplo 1. mixtura modulante: utiliza acorde de dominante de Reb y dominante de Dob.

Ejemplo 2. Mixtura real



Ejemplo 3. Mixtura en slendro



Os dejo con el vídeo donde podéis seguir la partitura completa y así escuchar las mixturas utilizadas por Debussy que hemos comentado arriba:




Hasta la próxima!


domingo, 3 de febrero de 2019

Cadencias (explicación en vídeo)

Según el New Grove, "la cadencia es la conclusión de una frase, movimiento u obra, basado en una fórmula melódica reconocible, progresión armónica o resolución de una disonancia. Es la forma efectiva de establecer la tonalidad. Contiene una esencia del movimiento armónico y melódico."

Por otra parte, el diccionario Harvard nos define cadencia como una "configuración melódica o armónica que crea una sensación de reposo o resolución". Las cadencias suelen marcar, por tanto, el final de una frase, periodo o de una composición completa. La fuerza o finalidad de las cadencias varía según los grados implicados.

Teniendo esto en cuenta, una cadencia nos va a dar sensación de tensión o reposo según los grados implicados pero también según el contexto en el que se encuentre. La convención de la música tonal nos establece dos grupos de cadencias:
  • Suspensivas: Auténtica imperfecta, Plagal imperfecta, Semicadencia (+cadencia frigia), Rota
  • Conclusivas: Auténtica perfecta, Plagal perfecta
Os dejo con la explicación en vídeo de cada una de ellas:

CADENCIAS SUSPENSIVAS















CADENCIAS CONCLUSIVAS








Os recuerdo que en anteriores entradas hay ejercicios para identificar cadencias y actividades para practicar la teoría. Los podéis localizar pinchando en la etiqueta "cadencias".

Hasta la próxima!



lunes, 28 de enero de 2019

Flipped en femenino

Hola a tod@s! hace unos meses participé en una iniciativa emprendedora de la gran Conchi Fernández (@cfezmunin) titulada FLIPPED EN FEMENINO.

En este proyecto se entrevistó cada mes a una profesora de diferentes puntos de la geografía española las cuales utilizan Flipped classroom en sus clases. Lo más interesante de todo es que cada una es de una especialidad diferente, con lo que se demuestra la versatilidad de la metodología para ser aplicada en diferentes ámbitos.

En la imagen inferior podéis ver un "Quién es quién" donde aparecemos todas las integrantes del proyecto, si pincháis en el pie de foto, podéis acceder a la aplicación de Genially y así conocer a cada profe.

https://view.genial.ly/5c2dfa66a4eaa03097d00431/flipped-woman


Por mi parte, expliqué la aplicación en los conservatorios de música puesto que Flipped classroom es muy útil para la asignatura de armonía al tratarse de una materia teórica que requiere mucho tiempo de aplicación práctica.

Os dejo con la web del proyecto para que lo conozcáis y podáis conocer a las súper heroínas que han participado en el mismo, y como no, a Conchi Fernández:


https://cfdezmunin.wixsite.com/flippedenfemenino


Hasta la próxima!


sábado, 26 de enero de 2019

Mozart politonal (Propuesta de audio 16)

Imagen de la película "Amadeus"

Aprovechando que nos acercamos al aniversario del nacimiento de Mozart (Salzburgo27 de enero de 1756 -Viena5 de diciembre de 1791), vamos a acercarnos a una pieza como poco "novedosa" en cuanto a la utilización de la armonía por parte del compositor.


Se trata de la pieza "Una chanza musical" o "Una broma musical" traducción de Ein Musikalischer Spaß (k.522), pieza de 1787 para dos trompas y cuarteto de cuerdas.

Esta pieza no es muy conocida pero se suele hacer referencia como ejemplo de broma puesto que en ella aparecen ciertas "anomalías" si la comparamos con el resto de catálogo de Mozart. 

Se dice que la pieza es una burla a los recursos que utilizaban algunos compositores de la época, mientras que otros opinan que fue una manera de probar cosas nuevas como el ejemplo de bitonalidad que veremos a continuación.

Algunos de los ejemplos de bromas que Benet Casablancas nos comenta en  El humor en la música: broma, parodia e ironía: un ensayo (2000) es la referencia en el adagio:

1. Aparición de tonos enteros en el Adagio cantabile, en la cadencia de violín como podemos ver en la imagen en el recuadro naranja:


Cadencia compás 75, II movimiento

2. Fragmento al final del último movimiento después de aparecer la tónica de Fa Mayor, en el que se cambia la armadura de violín I a Sol M, violín II a La M y viola a MibM apareciendo a continuación el I grado de cada una de las tonalidades solapadas. Sería un claro ejemplo de politonalidad del siglo XX, solo que aquí aparece escrito por Mozart, lo podéis observar a continuación:



Compases 447-458, IV movimiento
Os lo pongo en grande por si no se ve bien:
Compases 454-458, IV movimiento

3. También son de notar fragmentos con realizaciones pobres o con errores como el que vemos a continuación del primer movimiento, con redoblamiento en varias voces con octavas paralelas sobre un trino demasiado largo que no resuelve donde se espera:

Compases 18 - 23, I movimiento

4. Además, es bien sabida la importancia del plan tonal en las piezas clásicas siendo esta una sonata. En cuanto a las modulaciones, así como en esta época se realizaban a tonos vecinos, en este caso, se presentan a tonalidades un poco más alejadas, como podemos ver en el desarrollo del primer movimiento (y no será la única). Desde que empieza el desarrollo modula bruscamente pasando por tonalidades sin relación de tonos vecinos (DoM, SibM, lam...), podemos ver un ejemplo de la modulación a continuación:


Compases 35 - 38, I movimiento


Desde luego, esto son algunos de los ejemplos más destacables de la pieza que no "cuadran" con la escritura del genial compositor.

Sea una broma o no, lo que está claro es que no nos deja impasibles puesto que muchos de estos recursos se utilizarán en la música del siglo XX y aquí, en pleno siglo XVIII se ven totalmente fuera de contexto.

Os dejo con la audición de la pieza completa para que juzguéis vosotros mismos y localicéis las bromas que aparecen en la pieza... (y atentos sobre todo al final, no dejéis de escuchar la última cadencia del 4º movimiento, minuto 19:20 aprox.)...





Hasta la próxima!


domingo, 20 de enero de 2019

Notas extrañas a la armonía

Como he comprobado que es un tema que genera muchas dudas, en la entrada de hoy os adjunto un vídeo para repasar los diferentes tipos de notas extrañas que nos pueden aparecer al analizar un fragmento.

Para ello os propongo el siguiente fragmento de la Sonata para Oboe y bajo continuo de Francesco Geminiani:


Se trata de analizarlo y localizar las notas extrañas que encontréis y decir de qué tipo son. En el video encontraréis la solución... 😜





Hasta la próxima!


sábado, 19 de enero de 2019

Scriabin, preludio op. 45 n. 3 (Propuesta de audio 15)

La semana pasada empezamos a trabajar el lenguaje de Alexander Scriabin (1871 - 1915) en la clase de análisis 3.

Para no empezar demasiado fuertes (y más viniendo de Navidad), elegí el preludio op 45 n. 3 que os comentaré aquí.

El preludio frente al que nos encontramos se trata de una pequeña pieza para piano en Mi bemol Mayor con una sonoridad característica debido a las apoyaturas y a los acordes alterados.

La pieza se estructura en dos secciones, es decir, en forma binaria simple de manera que la primera sección realiza una función expositiva donde nos muestra el material de la pieza que repetirá en la segunda sección (a partir del compás 9) aunque cambiando el esquema de tonalidades para adaptarse a la forma binaria tipo suite terminando la primera sección en la tonalidad de la dominante SibM:

[ A                                                  ] - [A'                                                            ]
T. principal                T dominante      T principal                            T. principal
MibM     SibM   DobM   SibM              MibM      SibM     FabM    MibM      + ampliación externa


Veamos los dos primeros compases:
Compases 1 y 2 del Preludio op 45 n. 3 (Scriabin). Fuente: C. Tormo

En la imagen podemos ver cómo va a funcionar la armonía de la pieza. Encontramos una tonalidad clara MibM aunque los acordes que aparecen tienen una nota característica, la 5ª en menos. Esta nota la utilizará en toda la pieza así como las apoyaturas.

Encontramos además, que construye el primer compás sobre una línea descendente en la mano izquierda que nos conduce hasta una sexta aumentada wagneriana (acorde de dominante de la dominante con 5ª en menos, es decir, misma configuración que el primer y segundo acordes, con lo que podemos considerarlo de la misma manera puesto que la resolución tampoco es la más natural de acorde de sexta aumentada.

El motivo principal aparece pintado en verde (saldrá muchas veces) y hay un nuevo motivo contrastante en color amarillo que consiste en un diseño arpegiado.

En los compases 3 y 4, Scriabin repetirá estos dos compases pero en la tonalidad de SibM y posteriormente, en el compás 5 hace una pequeña variación del motivo ahora en DobM.

Compases 5-7 del Preludio op 45 n. 3 (Scriabin). Fuente: C. Tormo

En la imagen podemos ver lo que os he comentado, en este caso, este fragmento está colocado sobre un ciclo de quintas sobre las tonalidades DobM y SibM para terminar con una cadencia entre los compases 7 y 8 auténtica imperfecta.

A partir del acorde del compás 9 vuelve a aparecer el principio, aunque esta vez se le añade una anacrusa en el compás 8 sobre el acorde de dominante de MibM.

Respecto a los motivos, podemos ver una variación en el compás 5 del motivo aparecido en el compás 1 (en verde) y un nuevo motivo en el compás 7 (azul) que utiliza como conclusión.

En la segunda sección, como hemos dicho, se vuelve a presentar el principio de los compases 9 a 12. A partir del 13 Scriabin utilizará una tonalidad curiosa FabM. Si pensamos qué hace esa tonalidad en la pieza es fácil, fab es el II grado rebajado de Mib, es decir, la tonalidad de la Napolitana con lo que veamos la cadencia final:

Compases 16 - 21 del Preludio op 45 n. 3 (Scriabin). Fuente: C. Tormo

Como ya hemos dicho, los compases 17 - 21 son la repetición idéntica (excepto por el elemento arreglado del compás 16) de los compases 13 - 16, por lo que podemos considerarlos un fragmento de ampliación externa.

En este fragmento podemos ver lo que hemos comentado antes, la tonalidad FabM es la Napolitana de MibM, con lo que realmente podríamos considerar esta gran cadencia desde el compás 17 como la dominante de la Napolitana - Napolitana - V - I (y así no haría falta modular a FabM).

Todo esto termina en una cadencia curiosa, enlaza V - I con lo que se trata de una cadencia auténtica, pero la 5ª en más de la dominante (fa#) no resuelve al sol, dejando el acorde de tónica incompleto (sin tercera) y al terminar en posición de 5ª se trata de una cadencia auténtica imperfecta.

Esto es solo un acercamiento al primer lenguaje de Scriabin, ni mucho menos define todo su material idiomático pero ya nos da una idea de cómo pensar sus armonías. En esta primera etapa tiene predilección por los acordes con quinta en más o quinta en menos, así como las relaciones de Napolitana. Posteriormente seguirá utilizando esto pero dentro de un sistema más complejo que veremos próximamente.

Ahora solo queda escuchar la pieza para acabar de entender la sonoridad del compositor. Espero que os guste:



Hasta la próxima semana!