sábado, 13 de octubre de 2018

Propuesta de audio 6: Webern concierto op.24


En la entrada de hoy os propongo la escucha de una pieza un tanto peculiar. Se trata del concierto para nueve instrumentos op. 24 de Anton Webern, compuesto en 1934.

Anton Webern (1883 - 1945) fue un compositor austríaco de los considerados dentro de la Segunda escuela de Viena junto con su profesor Arnold Schönberg y su compañero Alban Berg.

El catálogo de obras de Webern no es demasiado amplio, además de que sus obras son muy cortas, su discrografía completa ocupa apenas dos cds. En ellas desarrolla la técnica del Dodecafonismo de una forma muy personal, de manera que es fácil reconocer su lenguaje.

En el concierto que os propongo hoy, se desarrolla la serie de 12 sonidos que adjunto a continuación:


Esta serie suena de la siguiente manera: 

Como veis se trata de 12 notas agrupadas en bloques de 3 cada uno (llamados tricordos). este tipo de ordenación es muy típico en las series de Webern. En este caso es característico que cada grupo de 3 notas tiene los mismos intervalos.

Pero ahora no entraré en el análisis de la pieza, eso lo dejamos para clase.

Hoy sólo pretendo que os fijéis en un aspecto que es conocido como Klangfarbenmelodie o melodía de timbres. Webern no es el único compositor que utiliza este recurso textural, hay ejemplos en Debussy, Schoenberg... y consiste en repartir la melodía entre varios instrumentos para que no la lleve uno solamente mientras el resto acompañan (como pasaba en la música tonal). En este caso, para seguir la serie tenemos que ir saltando entre pentagramas de manera que la melodía aparece de tres en tres notas cada vez en un instrumento diferente. Os pongo el inicio del primer movimiento.





Teniendo ya los mínimos para poder entender la pieza, a continuación os dejo con el vídeo del audio que muestra la partitura para que lo podáis ir siguiendo. A ver qué os parece...





Hasta la semana que viene!


martes, 9 de octubre de 2018

Adivina adivinanza ¿de qué compositor se trata?


Hola de nuevo, hoy os propongo un juego de pistas hecho con Genial.ly. Esta es la plantilla:



Es muy fácil, tan solo tenéis que ir pasando el ratón por encima de las pistas (interrogantes) a ver si sois capaces de adivinar de qué compositor se trata... 

En total hay 6 compositores ocultos.

Como pista de partida para que no sea tan difícil, todos vivieron en el siglo XX.

Espero que os guste!







sábado, 6 de octubre de 2018

Propuesta de audio 5: Messiaen y los pájaros


Más que una audición concreta hoy os voy a proponer que descubráis a Olivier Messiaen (1908 - 1992) y su relación con los pájaros.


Todo viene por esta imagen que esta semana facebook me recordó que la había compartido un año atrás. Aunque no he podido localizar la fuente, me recordó inevitablemente a Messiaen.

Messiaen fue un compositor francés que compaginó su labor compositiva y docente con el estudio de los pájaros. Sí, habéis leído bien, pájaros. Messiaen era ornitólogo y desde joven se dedicó a tomar nota en cuadernos de campo de los cantos de los aves indicando el tipo, lugar, hora y el canto propio (al dictado) de cada uno de ellos. 





A partir de esos cuadernos son varias las obras en las que aparecen cantos de pájaros, entre ellas:

Messiaen. Catalogue d'oiseaux. Ed.Alphonse Leduc
- Quartor Pour la Fin du Temps (1941) Olivier Messiaen utilizó el sonido de los pájaros en el movimiento Liturgie de Cristal.

- Turangalîla (1946 – 1948) donde el piano representa el sonido de los pájaros. 

- Le Merle Noir (1951) para flauta y piano.


Y para orquesta: 
    - Catalogue d’Oiseaux (1956 – 1958)

    - Réveil des Oiseaux (1953) 

    - Oiseaux Exotiques (1956)



En la imagen superior podéis ver el Catalogo de pájaros (Catalogue d'Oiseaux) donde cada pieza está dedicada a un pájaro concreto, aunque, tal como nos indica el autor en la edición señalada, hay un total de 77 cantos de ave diferentes que aparecen en la obra y el propio autor nos pone el listado por orden alfabético en diferentes idiomas. Os la pongo a continuación:


Messiaen. Catalogue d'oiseaux. Ed.Alphonse Leduc




Messiaen además, nos dejó libros como legado: Traité de rythme, de couleur et d’ornithologie o Técnica de mi lenguaje musical. En ellos nos explica su pensamiento y su forma de utilizar tanto el ritmo, los modos, los acordes... como análisis de obras de otros compositores, dejando poco lugar a la especulación acerca de su pensamiento y lenguaje.

Navegando por la red para buscar información complementaria, he encontrado una página muy curiosa que recopila el canto de pájaros, la podéis consultar aquí: https://www.canto-pajaros.es

Y a continuación os dejo con un vídeo del propio Messiaen explicando cada canto, la imagen del pajarito y su mujer Ivone Loriot traduciéndolo al piano.






¿Y ahora qué? Pues ahora ya es labor vuestra investigar... este curso analizaremos algunas de las piezas mencionadas. Os dejo con una de ellas y a ver si localizáis el pajarito 😉






Hasta la próxima!



sábado, 29 de septiembre de 2018

Propuesta de audio 4: "In C" de T. Riley

En esta semana vamos a dedicarnos a una pieza un poco diferente, se trata de In C de Terry Riley.

Riley es un compositor americano nacido en 1935 cuya obra más conocida es la que vamos a comentar hoy (fechada en 1964). Esta es la partitura:


fuente: docenotas.com, recuperado de []https://www.docenotas.com/1014/la-venganza-de-terry-riley/]

Se trata de una página con 53 patrones y con unas instrucciones bastante abiertas que dan libertad al grupo de intérpretes (el compositor indica que alrededor de 35 personas pero que el grupo puede ser más grande o más pequeño) dentro de unas pautas marcadas.

La pieza empieza con un do en corcheas marcadas bien por un piano o por un instrumento de percusión de láminas (lira o vibráfono) que va a sonar desde el inicio hasta el final.

Poco a poco se irán añadiendo los instrumentos con el primer patrón y a partir de ahí cada uno decide cuando va a cambiar al siguiente patrón (siguiendo el orden marcado) dentro de la duración aproximada que nos da el compositor desde 45 segundos hasta minuto y medio cada patrón.

Tal como se indica en las instrucciones del compositor, la pieza puede durar entre 45 minutos y hora y media, no hay un número concreto de repeticiones por patrón, aunque sí que aconseja no correr demasiado ni ir demasiado despacio para que no haya más de 2 ó 3 patrones de diferencia entre instrumentos.

Cuando todos hayan llegado al final propone hacer un gran crescendo y un gran diminuendo durante varias veces y cada intérprete dejará de tocar cuando quiera.

En resumen, es imposible que haya dos grabaciones iguales de esta pieza, puesto que cada versión tendrá un resultado diferente según el número de músicos que haya, las veces que repita cada uno cada fragmento, el timbre de los instrumentos... con lo que nos encontramos frente a una pieza aleatoria con cierto toque minimalista por el hecho de repetir fragmentos e ir variándolos poco a poco.

A los que os interese el tema, os enlazo una página súper interesante donde explica al detalle (en inglés) la pieza y sus entresijos: https://teropa.info/blog/2017/01/23/terry-rileys-in-c.html. Por cierto, tiene un score interactivo donde se puede pinchar para escuchar cada patrón por separado, las instrucciones del compositor, ejemplos de audios, esquemas visuales donde se ve cómo van avanzando 3 voces... echadle un vistazo que seguro que os gusta.


Os dejo con el audio:






La semana que viene, más...!



domingo, 23 de septiembre de 2018

Quiz Pierrot

A propósito del Pierrot, hoy os propongo un juego...

Indagando entre las nuevas plantillas de Genial.ly he descubierto esta que me ha gustado mucho y como hace poco os hablé de Pierrot Lunaire y hay diferentes compositores que han compuesto obras con el mismo título, vamos a jugar a adivinar cuál es cuál.

Es fácil y tan sólo tenéis que ir siguiendo las flechas, a ver si los acertáis todos. Sólo hay 3 posibilidades y 3 obras pero lo divertido es que se puede configurar con muchas más y ampliar hasta hacer un super concurso. A ver si lo amplío poco a poco, de momento podéis probar con este y ya me diréis qué os parece...

A jugarrrrrr!



sábado, 22 de septiembre de 2018

Propuesta de audio 3 (y análisis): Nuages gris de Liszt



Franz Liszt (1811-1886) fue un compositor húngaro que tuvo mucha fama en su época por ser un pianista romántico muy virtuoso. Dicen que fue el primero en ofrecer conciertos de piano completos él solo y en colocarse de perfil en el escenario.


Al parecer, tenía muchas fans y las damas se desmayaban en sus conciertos y se peleaban por conseguir una prenda o un mechón suyo.


La pieza que vamos a comentar no es ni mucho menos virtuosa, se trata de una pieza sencilla y corta, con carácter intimista y que se titula Nuages gris (Nubes grises) y nos ofrece un ambiente similar al que podemos ver en la imagen inferior.


Compuesta en 1881 cuando el compositor tenía 70 años, Nuages gris se estructura en dos secciones o partes aunque toda está basada en el mismo material.

La pieza ronda alrededor de un sol menor un tanto ambiguo puesto que se pierde la noción de función de los acordes. Esto se consigue mediante la utilización de acordes de 5ª aumentada y con intervalos por cuartas ya sea en horizontal (motivo melódico) o en vertical (acorde). Aquí tenemos el motivo principal formado por 4ªJ + 4ª aum. + triada menor que aparece al principio de la pieza.

Este motivo (motivo x) se presentará 4 veces sobre una pedal inferior móvil (en tremolo) que oscila entre el sib y el la en la mano izquierda en el registro grave del piano.



Otro de los elementos en los que se basa la pieza es en el acorde de 5ª aumentada. Tras la exposición del motivo se enlaza con una subsección donde podemos ver los acordes mencionados así como el cromatismo descendente en la voz superior y sobre la pedal sib-la.





Todo esto nos llevará a la segunda sección en la que podemos encontrar una especie de antítesis con todo esto que acabamos de ver enlazada mediante un motivo de dos compases (motivo y) que contiene otro intervalo no muy bien visto por la música tonal, la segunda aumentada.                                                                                              


En la segunda sección de la pieza, a partir del compás 25, nos vuelven a aparecer elementos conocidos. En primer lugar, el motivo x ahora aparece como acompañamiento de un nuevo elemento melódico de la mano derecha.  En la segunda subsección de esta sección, similar a la primera, volvemos a tener la pedal inferior sib-la, los acordes que nos aparecían antes ahora están desplegados y el cromatismo superior que antes era descendente, ahora es ascendente para terminar en una cadencia un tanto confusa porque no pertenece a ninguna tonalidad concreta (aunque sugiere un sol menor encubierto). Os dejo con la partitura completa pintada para que podáis ver lo que os he comentado:



La explicación más romántica podría ser la descripción musical de una tormenta a modo de pieza programática donde nos introducimos en la oscuridad que producen las nubes grises en la primera sección con los trémolos en la mano izquierda a modo de truenos, que van avanzando poco a poco, para llevarnos a la segunda sección donde se aprecia como se van alejando (cromatismo ascendente) poco a poco las nubes para salir el sol en la cadencia final. 

Llama la atención que es una pieza que se podría considerar "atonal" en el sentido que no hay una tonalidad clara que establezca la dominante-tónica y la utilización de todos los elementos que no eran muy aceptados en la época tonal (4ª aumentada, 2ª aumentada, acordes aumentados, acordes por cuartas...). De esto podemos deducir que en esa época la tonalidad ya estaba empezando a perder su poder en favor de la atonalidad que se considera establecida por y a partir de Schoenberg, de ahí la importancia de esta pieza. 

Después de esta pequeña explicación superficial para despejaros los elementos en los que os tenéis que fijar, os dejo con el audio:





PD. Espero que os guste! 

Hasta la próxima :)



sábado, 15 de septiembre de 2018

Propuesta de audio 2: Pierrot Lunaire de A. Schoenberg

El 13 de septiembre de 1874 nació Arnold Schoenberg en Viena. Aprovechando su fecha de cumpleaños vamos a acercarnos un poco más a su obra Pierrot Lunaire (op.21) de la que podemos ver el cartel de su estreno el 16 de octubre de 1912 en Berlín.




No se trata de su obra más conocida pero es muy atrayente porque supone una novedad en el tratamiento del texto dentro de las piezas vocales que es interesante conocer.

Schoenberg es uno de los compositores más conocidos de principios del S.XX puesto que se atrevió a dar el paso hacia la música atonal y fue el artífice de la invención del Dodecafonismo (hacia los años 20). 

Empezó a componer con un estilo postromántico (como en La noche transfigurada) y fue evolucionando hacia el atonalismo  En esta composición atonal (Pierrot lunaire) se acerca al Expresionismo por el carácter de la pieza y la utilización del texto.

De personalidad problemática y controvertida, se rodeó de muchos pintores (puesto que también pintaba cuadros) y compositores conocidos. alumno de Mahler, fundó la segunda escuela de Viena junto con sus alumnos Anton Webern y Alban Berg.

La pieza Pierrot lunaire, ("Tres veces siete poemas de Pierrot Lunaire de Albert Giraud") se trata de 21 piezas sobre textos de Albert Giraud agrupadas en 3 partes: 



Su instrumentación es diferente en cada pieza, el autor consigue combinar la plantilla elegida para que no resulte repetitiva. Dicha instrumentación consta de voz y 5 instrumentistas: 
- Cantante con la técnica de Sprechstimme o Sprechgesang (canto hablado, voz utilizada entre el habla y el canto. La cantante recita el texto manteniendo el ritmo pero con las alturas tomadas de forma orientativa como si fuera un discurso hablado, sin entonar notas concretas que aparecen con una marquita sobre la plica como se puede ver en la imagen).
- Flauta/piccolo
- Clarinete/clarinete bajo
- Violín/Viola
- Violoncello
- Piano

La pieza no tiene un argumento en sí, Pierrot va recitando los diferentes poemas mientras pasa por diferentes estados emocionales con referencias a la noche, la luna, religión, sexualidad, muerte...

Los textos se pueden consultar AQUÍ.

Y ahora llega el momento de escuchar la pieza completa. Os inserto dos enlaces de Youtube para retaros a que encontréis diferencias y que cada uno se quede con el que más le guste (por cierto, el primer enlace empieza con una de las Tres piezas para clarinete solo de I. Stravinsky, por eso es diferente el principio respecto al segundo enlace). 








Os dejo la reflexión que hizo Puccini después de asistir a la representación de Pierrot: 

“De momento, no comprendo absolutamente nada, y siento que estamos tan lejanos de una verdadera concepción artística, como puede estar Marte de la Tierra; pero…, en todo caso, no se puede descartar que Schoenberg sea, en un futuro, ojalá muy lejano, el punto de partida que la historia tome en cuenta”.

Para todos aquellos que queráis profundizar en la pieza, os recomiendo un artículo de Domingo Fernández y Hortensia Mª Quintana que podéis consultar pinchando en su título: Anotaciones filosófico-musicales a propósito de Pierrot Lunaire de Arnold Schonberg  [consultado el 15 de septiembre de 2018]

Otra página interesante (en inglés) donde podéis consultar más información en general de Schoenberg y de su catálogo de obras sería la página propia del compositor que podéis consultar pinchando AQUÍ.

Espero que os haya gustado. Hasta la próxima!


sábado, 8 de septiembre de 2018

Propuesta de audio 1: Preludio Tristán e Isolda (Richard Wagner)

He pensado que en este curso iré proponiendo audios cada semana para hacer una colección interesante, completa y variada y así dar a conocer al alumnado "joyitas" que debería conocer cualquier alumno de enseñanzas profesionales (sea de la especialidad instrumental que sea). 

El audio de hoy va a ser una de mis piezas preferidas, se trata del Preludio de Tristán e Isolda de Richard Wagner 

Como una pequeña nota a la audición, el Preludio de "Tristán e Isolda" de Richard Wagner fue compuesta entre 1857 y 1859 y se estrenó en Munich el 10 de junio de 1865. Se trata de una pieza fundamental en la historia de la música puesto que se considera pieza clave para la ruptura con la tonalidad tan trabajada hasta el momento. Se suele proponer como ejemplo de la tonalidad extendida y además fue un punto de inflexión que marcó el comienzo de la música que se desarrollaría a lo largo del siglo XX. 


El famoso acorde Tristán (marcado), protagonista de tantos tratados y libros, aparece en los primeros compases y definirá el carácter de la obra llena de cromatismos, inestabilidad tonal colorido instrumental... 


Hay muchas teorías acerca de qué acorde se trata, no entraremos en debate (eso ya lo haremos en clase) pero lo que está claro es que el tratamiento de la disonancia será totalmente diferente al tratamiento que se le había dado hasta el momento puesto que cobra más importancia la disonancia que la nota real. En este caso las apoyaturas van a estar constantemente presentes en la pieza.

Otra característica de esta obra son los motivos que van asociados a cada personaje o elemento como el motivo de Tristán, el motivo de la muerte o el motivo del elixir de amor (entre muchos otros). Si queréis profundizar en el tema podéis consultar la siguiente página partitura en mano: 

Como no quiero entrar al detalle y la intención es simplemente acercaros a algunas composiciones importantes en la historia de la música, os dejo con el Preludio dirigido por otro gran compositor, Pierre Boulez.






En fin, espero que os guste... ahora subid el volumen y ¡disfrutad! 

Nos leemos pronto!

jueves, 23 de agosto de 2018

Curiosidad sobre "Salome" de R. Strauss



Alex Ross nos dice al inicio de su libro El ruido eterno (libro totalmente recomendable) que en la representación de la ópera Salome de Richard Strauss en la ciudad de Graz el 19 de mayo de 1906, acudieron nada más y nada menos que: Mahler con su esposa Alma, Puccini, Arnold Shönberg con su cuñado A. Zemlinsky, Alban Berg y puede que también se encontrara un joven Adolf Hitler (dijo unos años después haber asistido aunque no se sabe si a esa misma representación).



La ópera había sido estrenada en diciembre de 1905 y la habían calificado de “terrible engendro cacofónico”.


Os dejo con el enlace de la ópera para que decidáis por vosotros mismos... 




Si queréis conocer más sobre el compositor y la ópera podéis consultar este artículo de Filomúsica de José Enrique Peláez pinchando AQUÍ.




jueves, 16 de agosto de 2018

El agua en la música a través de la historia...


¿Se ha utilizado el agua como temática en la música? Hoy hablaremos del AGUA como elemento musical...






Hace tiempo que hice una serie de materiales acerca de los 4 elementos en la música para impartir unas conferencias con el mismo título. Hoy, buscando programas online para realizar líneas del tiempo, he reencontrado la página Timetoast donde tenía guardada esta línea que os comparto a continuación y también podéis ver online si pincháis aquí: El agua a través del tiempo en la música






Aquí podemos ver la misma línea del tiempo realizada con otro programa llamado Timeline:





Como me ha parecido un tema interesante para compartir, voy a publicar esta entrada acerca de la importancia del AGUA como elemento utilizado en las obras de música clásica y no tan clásica a lo largo de la historia. 

En imágenes podemos ver algunos de los autores que utilizaron esta temática en sus obras, Tanto anterior como posteriormente había aparecido alguna pieza con título acuático, pero llama la atención como la mayor parte de las piezas relacionadas con el agua se encuentren concentradas entre 1850 y 1925, sobre todo en el Impresionismo, siendo Claude Debussy el compositor con mayor número de obras con el agua como protagonista. Aquí os dejo con algunas de las obras relacionadas con el agua:




Pero además de Debussy, hay más compositores como hemos dicho que tratan el agua en sus obras. Aquí podemos ver la lista completa de compositores y sus respectivas obras:




¿Es casualidad que todas las obras mencionadas se concentren en menos de un siglo? más bien no, la música anterior al Romanticismo no solía llevar un título descriptivo. Si se ponía algún nombre a la pieza era para atraer al público pero no solía ser por voluntad del compositor o con una finalidad de representar algo en concreto. 

Podemos encontrar pocos ejemplos de piezas con títulos descriptivos en el Barroco, como pueden ser Las cuatro estaciones de Vivaldi o alguna pieza de J. S. Bach, mientras que en el Clasicismo, no hay demasiados títulos que pretendan transmitir alguna idea previa al oyente. 

El papel de la música es diferente según en qué estilo nos encontremos, por ejemplo, en el Clasicismo la música era ornamental con una gran diferencia entre la música para ser reproducida en salas de cámara de la burguesía o  la música popular para divertir al público. No se ponían títulos a las obras o trataban de "algo". En la película Eroica que trata sobre Beethoven (totalmente recomendable y que podéis encontrar pinchando AQUÍ), llama la atención un momento en el que están hablando dos de los personajes y uno de ellos dice: "la sinfonía trata sobre Bonaparte", a lo que otro contesta: "¿cómo puede la música tratar de algo?". Más adelante se seguirán haciendo referencias a cómo era la música del Clasicismo y lo que suponía la 3ª sinfonía de Beethoven, muy diferente a lo anterior y que cambiaría el rumbo de la historia de la música.

Será a partir del Romanticismo cuando los títulos se ponen de forma habitual por parte de los compositores para evocar sensaciones en el público, de ahí que aparecieran títulos tan descriptivos como Jeux d'Eau (Juegos de agua) de Ravel (los de Liszt son en la Villa d'Este), Le mer (El mar) de Debussy o Nuages gris (Nube gris) de Liszt.

Se suele considerar la Sinfonía Fantástica de H. Berlioz como la primera pieza programática aunque bien es cierto, como hemos comentado, que anteriormente aparecen algunas pocas piezas con título puesto por el compositor para transmitir su idea al oyente receptor de su música.

La música programática nos narra una historia o suceso mediante la música asociando a cada personaje un leitmotiv (motivo característico que va asociado a un personaje o situación). En este caso más que música programática nos referimos a música descriptiva o inspirada en el agua como elemento.

En el siglo XX también se ha utilizado el agua por más compositores de los que aparecen en la lista. Se puede encontrar en títulos como como el Concierto del agua de Tomás Marco para guitarra y orquesta de cuerda, el Concierto nº1 para piano y orquesta "Atlántico" de Zulema de la Cruz o Pentagramas de agua de Isabel Delgado.

Si nos centramos en el agua, los recursos estados más frecuentemente representados por los compositores son:

- Ríos: mediante escalas ascendentes y descendentes rápidas se pretende reproducir el movimiento del agua en los ríos. Los ejemplos más característicos de todos serían, como no, las Arabescas de Debussy.





- Fuentes: muchos compositores desde Haendel hasta Respighi pasando por Ravel, Liszt o Debussy, nos ofrecen piezas inspiradas en fuentes, un ejemplo lo podemos escuchar en el siguiente vídeo:





- Lluvia: Takemitsu con su Rain tree o Chopin con su preludio de la gota de agua (op.28 n.15) nos dan su visión de la lluvia.





- Tempestades: representadas por escalas con cambios de matices bruscos. Como ejemplo tenemos la Tempestad de Tchaikovsky o de Beethoven.

 



- Calma: piezas como La catedral sumergida de Debussy o El acuario (dentro de El carnaval de los animales) de Saint-Saëns nos muestran un agua en calma. 






Como hemos visto, el agua es un elemento muy utilizado por los compositores como temática recurrente. Elemento inspirador y evocador representado en todos sus estados mediante escalas cromáticas, cambios de registro, timbres cristalinos y registros cambiantes entre otros aunque, evidentemente, en cada estilo cada compositor utilizará sus recursos propios. 

Hasta aquí la entrada de hoy, os recomiendo que investiguéis sobre el tema (aprovechando esta semana tormentosa y calurosa de agosto) y si tenéis alguna sugerencia, podéis hacerla desde comentarios. 

Nos leemos próximamente... 😉





miércoles, 25 de julio de 2018

¿Son las metodologías activas algo incompatible con en el conservatorio?

Ayer mismo encontré esta imagen por Facebook (página de Classic FM):


En la imagen podemos ver a la izquierda una típica clase de música de 1756 no muy diferente a lo que encontramos hoy en día en cualquier conservatorio de música.

En la imagen de la derecha vemos a la señora mirando una tablet o un libro digital en lugar del libro y el niño tiene un móvil en lugar de tocar el piano. 


Ahora viene la pregunta importante: ¿Por qué no utilizar la tecnología para enseñar música? 

Además, yo me pregunto: ¿Por qué no hay cambios en cuanto a metodología en los conservatorios de música? ¿Por qué nos conformamos con hacer lo que nos hicieron a nosotros nuestros profesores cuando éramos alumnos? Hoy en día tenemos alumnos muy inmersos en el mundo digital, ¿por qué no nos aprovechamos de ello? 

En los institutos ya hace muchos años que se integran las TIC en el aula y en la mayoría de los conservatorios esta palabra todavía suena a tabú, ya sea por las instalaciones, los pocos recursos con los que contamos o la propia pasividad del profesorado a adentrarse en este "jaleo".

Es verdad que todo cambio implica un tiempo y genera miedo, pero los resultados realmente compensan. 

Nuestros alumnos están más que acostumbrados a entrar en internet, utilizar las redes sociales, descargar aplicaciones... vamos a intentar acercarnos a ellos mediante estos recursos.

Para ello, aquí va mi pequeña aportación: 



Se trata de un curso ofrecido por parte del CEFIRE para profesores de conservatorio de música con el fin de aprender a aplicar Flipped classroom en nuestras clases. El año pasado realicé el curso con resultados muy positivos por parte de los profesores asistentes. Porque, aunque en algunas asignaturas parece muy complicado poder aplicar este modelo metodológico, en todas las asignaturas es posible y seguro que tiene muy buena acogida por los alumnos.

Este año repetimos con la misma ilusión y esperando que, poco a poco, cada vez seamos más los que estemos al otro lado y completemos la enseñanza tradicional con las nuevas tecnologías. 

Aquí os dejo con una magnífica infografía de AulaPlaneta.com donde aparecen 6 razones para utilizar flipped classroom, a ver si os convence:




Yo ya he salido de mi zona de confort ¿te atreves tú?






sábado, 26 de mayo de 2018

Música del siglo XX por y para alumnos

La música del siglo XX es conocida por los "...ISMOS"
De todos son conocidas las diferentes corrientes que se sucedieron en este siglo fruto de una época de cambios, guerras, revoluciones e inseguridades...

Cuando damos la asignatura Análisis musical en el conservatorio, se suele ver de forma muy rápida puesto que coincide con el final de curso (tanto en Enseñanzas Profesionales como Superiores), además que al haber tantas corrientes, no se puede dedicar todo el tiempo que se debería a cada una de ellas.

En clase de 2º de análisis musical del Conservatorio Superior Salvador Seguí de Castellón de la Plana durante el curso 2017-18, planteamos un proyecto como introducción a estas corrientes: la creación de un canal de Youtube donde explicaran por parejas o tríos los diferentes "ISMOS" que aparecieron en el Siglo XX y nos condujeron al punto en el que nos encontramos ahora. De esta manera, con vídeos cortos, podrían entender por boca de sus compañeros, qué sucedió en cada corriente así como escuchar ejemplos o ver cuadros relacionados con cada movimiento.

Evidentemente, no pudimos trabajar todas las corrientes existentes pero el reparto quedó de la siguiente manera: 

- Lledó Gual y María Pilar Eres: Impresionismo
- José Viana y Álvaro Hernández: Expresionismo
- Ángel Fenollosa y César Pérez: Dodecafonismo
- Vicent Blasco y Pepe Beltrán:  Serialismo integral
- Inma Villar y Jose Miguel Gericó: Neoclasicismo musical
- David Beltrán y Pascual Llopis: Música concreta
- Eduardo Picazo, Miguel Ángel Lorente y Edgar Rodríguez: Minimalismo
- María Navarro y Daniel Perales: Dadaísmo
- Adolfo Cebreiro, Enrique Llavata y Enric Rey: Futurismo

Todos estos vídeos los podéis encontrar todos en el canal: Análisis Castellón el cual os invito desde aquí a consultar y a suscribiros. 






Aprovecho esta entrada para dar las gracias a los alumnos por su interés y dedicación porque el resultado no ha estado nada mal. 

¡Nos vemos pronto! 

miércoles, 9 de mayo de 2018

Explicación de los movimientos de sonata clásica

En la entrada de hoy os adjunto el video explicativo del esquema de los movimientos de la Sonata clásica que os presenté en la anterior entrada y podéis consultar AQUÍ.

En el vídeo os cuento las posibles formas que pueden aparecer en cada movimiento y podréis ver algunos ejemplos. Atención porque hay una pequeña errata, en el vídeo en la forma Rondó simple la cuarta sección pone en el esquema Copla 2 cuando debería poner Copla 3. En la imagen que tenéis arriba ya está modificado, así como en la entrada donde aparece el mapa conceptual en grande. 

Espero que este vídeo os sea útil para "detectar" la forma a la hora de analizar, os dejo con el vídeo.

Por cierto, atención porque hay una errata en el esquema del vídeo, en el Rondó simple en la sexta sección debería poner COPLA 3 en lugar de COPLA 2 que pone.