domingo, 18 de noviembre de 2018

¿Bailamos? Suite de danzas



Como esta semana en clase de análisis vamos a hablar de la Suite de danzas, he preparado esta presentación con Genial.ly que nos ayudará a ubicarnos como primer acercamiento y a conocer mejor en qué consiste cada una de las cuatro danzas fijas, su papel dentro de la suite y otros tipos de danzas que pueden aparecer.

La Suite de danzas apareció en las danzas ya desde la Edad Media hasta el Renacimiento y se desarrolló sobre todo en el Barroco. Consistía en la alternancia de danzas de pasos y danzas de saltos alrededor de 4 danzas fijas: Allemanda, Courante, Sarabanda y Giga, todas ellas estructuradas en Formas binarias (simples o recapituladas).

Entre la Sarabanda y la Giga se solían incluir otras danzas que variaban según la Suite, lo que sí que se mantenía en todas las piezas era la tonalidad.

Os dejo con el esquema que comentaremos en clase:



Hasta la próxima!

sábado, 17 de noviembre de 2018

Propuesta de audio 11: Dodecafonismo (1)

Hola a todos, en la entrada de hoy vamos a hablar del Dodecafonismo, más en concreto del op 25 de Schoenberg, primera pieza compuesta en 1921 según este método compositivo. Más adelante hablaremos de otras obras dodecafónicas, así que esta será la primera de las entradas dedicadas a esta técnica.


La pieza que vamos a comentar hoy se trata de una Suite cuyos movimientos tienen nombres de danzas (como en una suite barroca), estas son: Preludio, Gavota, Musette, Intermezzo, Menuet, Giga, aunque el lenguaje utilizado es notablemente diferente al del Barroco pero sí hay cierta intención de evocar las características de cada danza.

En cuanto al Dodecafonismo, es una técnica compositiva cuyo padre es precisamente Arnold Schoenberg, que se basa en las 12 notas cromáticas de la escala pero tratadas en forma de igualdad.

El principio en el que se basa es el de la utilización de series en las que no hay repeticiones de notas, es decir, las series se continuan o superponen unas a otras de manera que las 12 notas de cada serie aparecen el mismo número de veces en toda la pieza, para no tener sensación de tónica al escuchar la repetición reiterada de una nota. Esta es la teoría...

En la pieza que vemos hoy, la serie original (la serie sobre la que se generan todas las otras) es la siguiente:




Las series se basan en la alternancia de intervalos desiguales y la evitación de la sonoridad triádica tonal. Como podéis comprobar, en la serie propuesta que sería la Original si la leemos de izquierda a derecha, aparecen las 12 notas cromáticas pero combinadas de manera que cada grupo de 4 aparece con tratamiento casi de motivo, es decir, siempre aparecen las 4 notas juntas, por eso las he marcado con diferentes colores y las he llamado a, b y c.

Además, hay que destacar el último tetracordo que si lo leemos como primer tetracordo de la serie retrógrada asignando letras a los números, nos sale el nombre de BACH, una de las figuras importantes para Schoenberg y que también aparecerá en obras de Webern.

Antes de comentaros algunas cuestiones de la utilización de la serie en la pieza, habría que plantear todo el material que Schoenberg va a utilizar, con lo que la serie original (que leída del final al principio se convierte en retrógrada), se utiliza invirtiendo los intervalos, de manera que obtenemos la serie inversa y si la leemos del final hacia adelante la retrógrada inversa:



A partir de estas cuatro series se realizarían las transposiciones a los 12 semitonos obteniendo un total de 48 series, 12 originales, 12 retrógradas, 12 inversas y 12 retrógradas inversas, que sería el total del material que se va a utilizar en esta pieza.

Pero Schoenberg no utilizará todas las series, sino que decidirá utilizarlas por pares eligiendo las que empiezan y acaban igual para crear la sensación de simetría como por ejemplo las dos series que hemos visto, Original 1 - Inversa 1 (las dos empiezan por mi y terminan por sib).

A la hora de desarrollar la técnica dodecafónica, Schoenberg aplica la idea inicial de utilizar la serie pero hay algunas cuestiones que no son tal como se dictarán como normas más adelante. Por ejemplo, en el Preludio se solapan los motivos a, b, c de manera que podemos pensar que aparece antes el número 12 que el 2, o incluso los utiliza de forma retrógrada apareciendo en el orden 4, 3, 2, 1 en lugar de 1, 2, 3, 4; la repetición de notas en teoría se evita, a no ser que sea en la misma altura, pero por ejemplo en la Musette, aparece un SOL pedal que se repetirá durante toda la pieza; la repetición del motivo no deja de aparecer con lo que el oído lo acaba reconociendo y se pierde la intención de la pérdida de identidad...

No plantearé el análisis completo, tan solo pretendo ofreceros las pistas para que podáis estar un ratito entretenidos analizando la Suite.

Como pista, os enseñaré el principio del Preludio para que a partir de ahí podáis analizar el resto de la pieza:




Como veis, los motivos aparecen solapados por ejemplo en la I7 del compás 4 donde se ve el número 1 que es el sib y en la mano derecha el lab que es 5, la razón es que piensa los motivos/tetracordos en horizontal, os aviso para que no os volváis locos...

Esto en cuanto al tratamiento de las series, en cuanto al ritmo, aparecen motivos rítmicos o células que se van a ir repitiendo a lo largo del Preludio y en cuanto a la forma, Schoenberg estructura cada movimiento de la Suite en su estructura más "natural", es decir, la forma binaria (como se utilizaba en los movimientos de la suite barroca), y dentro de cada sección, aparecen diferentes subsecciones donde se aprecia el cambio de utilización del material en cada subsección. Es vuestra labor localizar la forma de cada pieza...

Os dejo con el video con partitura y audio para que podáis seguirlo y escucharlo a ver si localizáis las series y motivos... 😉





Hasta la próxima semana!



martes, 13 de noviembre de 2018

Experto buscando errores en armonía? aquí tienes la prueba definitiva!


¿Siempre has pensado que eres un/a crack localizando errores o faltas en la asignatura de Armonía?

¡Pues hoy lo vas a poder comprobar!

Lo que os propongo en esta entrada es un juego realizado con Genial.ly para localizar las faltas armónicas o melódicas de seis fragmentos a 4 voces. No hay tiempo que os limite, así que tranquilos! Tan solo tenéis que señalar con el cursor la nota implicada en la falta.

Los ejemplos estarán en diferentes tonalidades, así que cuidado, comprueba la tonalidad antes de empezar por si acaso...

A ver si os gusta... ya me contaréis 😉



Hasta pronto!

Hasta la próxima!

sábado, 10 de noviembre de 2018

Propuesta de audio 10: Silencio

Imagen: https://www.freepik.es



Sssshhhh... quitad voz a todo, apagad radio, tele y movil, encerraos en una habitación donde no se escuche NADA y ahora atentos... oís algo? John Cage sí!

El silencio es un elemento musical en el cual John Cage tenía mucho interés.


Cage en la cámara anecoica.
En 1951 Cage llevó a cabo un experimento, se encerró en una cámara anecoica para comprobar hasta qué punto el silencio existe.

Sí habéis leído bien, el silencio.

Una cámara anecoica es una habitación totalmente insonorizada de manera que no se escucha NADA de NADA. O al menos esa era la teoría...

Lo que sucedió es que Cage se sentó allí a experimentar por sí mismo si oía algo y comprobó que el silencio no existe como tal. Allí dentro se concentró y cuando contaba su experiencia él mismo declaró: "oía dos sonidos, uno alto y otro bajo. Cuando se los describí al ingeniero a cargo, me informó que el alto era mi sistema nervioso, y el bajo mi sangre en circulación".

Este experimento se realizó mientras él componía sus Sonatas e interludios y le sirvió para gestar la obra 4'33'' o Cuatro minutos y treinta y tres segundos, que es lo mismo.

Estoy segura que habéis oido hablar de esta pieza, tan solo os la recuerdo para que la tengáis en cuenta porque establecerá nuevas pautas en la música.

La pieza está pensada para ser interpretada por un número y tipo de instrumentos no determinado, es decir, cualquiera puede interpretarla ya sea a solo o acompañados. Aunque en un principio estaba pensada para ser interpretada en un movimiento, se estructura en tres movimientos a partir de una interpretación de un pianista llamado David Tudor. El contenido que aparece en la partitura es la palabra TACET (indicación que significa silencio) o pentagramas en blanco como podemos ver en la imagen. El único requisito a cumplir es que durante 4 minutos y 33 segundos, el/los intérprete/s permanezcan en silencio. Hay ediciones que hasta indican lo que dura cada movimiento.

"No entendieron su objetivo. No existe eso llamado silencio. Lo que pensaron que era silencio, porque no sabían como escuchar, estaba lleno de sonidos accidentales. Podías oír el viento golpeando fuera durante el primer movimiento. Durante el segundo, gotas de lluvia comenzaron a golpetear sobre el techo, y durante el tercero la propia gente hacía todo tipo de sonidos interesantes a medida que hablaban o salían."

—John Cage sobre el estreno de 4′33″

Hay todo tipo de versiones de esta pieza: piano solo, cuarteto de cuerda... hasta una orquesta completa con solista y todo! Os dejo con un vídeo que lo demuestra:





Y ahora vemos al propio John Cage hablando de su concepción de la música en un documental, "Écoute" (Escucha), en New York, año 1991:







Será una de las piezas más llamativas de la música del siglo XX y que se enmarca dentro de la música aleatoria puesto que cada interpretación produce diferente efecto sonoro. 

Tengamos en cuenta que si ponemos a grabar la pieza durante la ejecución, al oírla no encontraremos lo esperado, que es el silencio, sino que rara será la vez que no escuchemos la reacción o interacción del público en forma de alguna tos, estornudo, risas, cuchicheos...

Lo que está claro es que esta pieza no deja indiferente a nadie, ya sea para defenderla o para criticarla. 

Ahora se nos plantea la pregunta... ¿existe el silencio?



viernes, 2 de noviembre de 2018

Propuesta de audio 9: especial Halloween

Fuente: pixabay.com


En esta semana que hemos estado rodeados de telarañas, monstruos, cementerios y alusiones varias a la muerte, vamos a dedicar esta entrada a la temática de terror...

Empecemos nuestro homenaje a Halloween...

Son muchos los compositores que han hecho referencias a la muerte en sus obras o que se suelen relacionar con la misma sin quererlo ya sea por tradición o por el cine, dibujos animados... Hoy veremos dos casos alejados en el tiempo aunque asociados al miedo.

El primer ejemplo que veremos es un "clásico" para órgano (aunque es del Barroco), os enlazo un vídeo que he encontrado por Youtube súper ambientado y entretenido con el que podemos ver las teclas conforme suenan. Se trata como no, de la Tocata y Fuga en Re menor BWV 565  de Johann Sebastian Bach:





La toccata era una forma utilizada sobre todo en el Barroco (aunque tiene origen Renacentista alrededor del siglo XVI) y cuyo título nos daba la pista que era una pieza "para tocar" a diferencia de la Sonata que era "para sonar" o la Cantata que era "para cantar". 




En principio se escribía para instrumentos de tecla y para ser interpretado en la Iglesia alternando con las partes cantadas. Ya en el Barroco adquiere un carácter virtuosístico alternando pasajes rápidos con pasajes de acordes en textura homofónica, como sucede en la pieza que nos ocupa.


Además, estas piezas servían de antecedente de otras a modo de preludio. Este inicio les proporcionaba un carácter improvisatorio, no tenían una forma fija. En este caso antecede a una fuga muy conocida (hace unos cuantos años solía sonar como melodía de móvil...).


El caso es que ya sea por el sonido del órgano o por estar en modo menor, esta pieza se relaciona con el mundo sobrenatural, más concretamente con los vampiros y es muy utilizada para crear ambientes de miedo o misterio...



Otra pieza que consigue poner los pelos como escarpias si se escucha con poca luz es Lux aeterna (1966) de György Ligeti (1923- 2006), os dejo una versión con partitura:




Seguramente os suena porque se utilizó en la película de Stanley Kubrick, Una odisea en el espacio, al parecer sin el permiso del compositor.

Esta pieza escrita para 16 voces sin acompañamiento, realiza una búsqueda de sonoridades tímbricas, una especie de sonido neutro, según Ligeti, "entre el sonido y el ruido". La composición transcurre a partir del desplazamiento tipo canon de una melodía concreta por las diferentes voces, aunque cambiando las figuras rítmicas según la voz que se trate. De este modo se obtiene un bloque sonoro o clúster que se desplaza lentamente en diagonal y con diferente diseño según la voz que se trate. Desde luego escalofriante por la tensión que provoca al oyente mediante las disonancias producidas en la armonía resultante.

Como otras veces os dejo un artículo que trata al detalle el lenguaje de Ligeti: http://www.tallersonoro.com/anterioresES/03/analisis.htm. Atención al término Micropolifonía, utilizado por el propio compositor para describir la textura de la pieza.

Fuente: Pixabay.com
Esta no fue la única pieza de Ligeti utilizada en el cine por Kubrick, hará uso de su música en Una odisea en el espacio como hemos dicho (utilizando además la pieza Atmospheres o fragmentos del Requiem), El resplandor o Eyes wide shut. Otras películas de intriga utilizarán también la música de Ligeti como es el caso de Shutter island, película de Martin Scorsese del 2010.

Hoy lo dejamos aquí, os invito a buscar más músicas "de miedo", podéis dejar título, autor y enlace en comentarios, así podremos crear una buena lista para ambientar Halloween del año que viene... 😉

Hasta la semana que viene! 



sábado, 27 de octubre de 2018

¿Quieres ser un Jedi de la armonía?

Fuente: Pixabay.com

Hoy veremos de la mano de Yoda consejos para saber cómo podéis convertiros en un verdadero JEDI de la armonía gracias a Genially y a esta plantilla interactiva.

Tan solo tenéis que pasar el ratón (o el dedo) por encima del + de cada consejo.

Porque ya lo decía Yoda: 

"En un Jedi de la armonía convertirte puedes"













Que la fuerza te acompañe!!




Propuesta de audio 8: Paganini - Lutoslavski

Tal día como hoy aunque hace algunos años, el 27 de octubre de 1782, nació en Génova el violinista y compositor Niccolo Paganini (1782 - 1840), es por ello que le rendiremos un pequeño homenaje.

Conocido como gran violinista que frecuentaba desde pequeño las salas de conciertos, corría el rumor que había vendido su alma al diablo y por eso tenía esas grandes dotes interpretativas.

Lo cierto es que hay diferentes versiones sobre este trato diabólico que podéis encontrar con una simple búsqueda en internet. 

Nos dice Francisco Javier Tostado en su blog: "se baraja que pudiera sufrir el síndrome de Marfan o el de Ehlers-Danlos, descritos a finales del siglo XIX, que se caracterizan principalmente por una laxitud y fragilidad de la piel junto a hipermovilidad articular, ambos debidos a un trastorno genético hereditario."


Paganini - Lutoslavski
Aquí hoy nos ocuparemos de su música, en concreto del Capricho n.24 para violín, de los cuales Lutoslavski realizó sus Variaciones sobre un tema de Paganini.

Esta pieza ha sido multitud de veces versionada, desde Rachmáninov hasta Brahms, Liszt o Schumann, pasando por Lutoslavski, Goodman o Andrew Lloyd Webber quien le compuso a su hermano una versión para cello y orquesta de rock como regalo de graduación en el conservatorio.

De todas estas versiones elegimos hoy a Witold Lutoslavski.

Lutoslavski fue un pianista y compositor polaco (1913 – 1994), que cuando era joven tocaba en un grupo de cabaret junto con su amigo también pianista y compositor Andrzej Panufnik, haciendo ellos sus propios arreglos para piano a 4 manos o para 2 pianos. De todos los arreglos (dicen que unos 200) que hicieron ambos compositores, tan solo sobrevivieron a la 2ª Guerra Mundial las Variaciones reinstrumentadas para dos pianos, cuando tenía 28 años, y de las que hablaremos hoy .

El tema sobre el que se desarrollarán las variaciones originales para violín solo es muy conocido. Las notas marcadas comprobaremos posteriormente en el tema de Lutoslavski que son mantenidas en el piano I.

Tema del Capricho 24, Paganini


Si pensamos en la armonía que tiene esta melodía, pese a ser para instrumento solo, obtenemos la siguiente:
Tema del Capricho 24, Paganini
Esta sería la armonización más clásica donde podemos ver acordes de dominante y tónica con una progresión en la segunda frase/sección que nos lleva a la cadencia final. Veamos qué hace Lutoslavski:


Tema de las variaciones de Paganini, Lutoslavski
Como podemos ver, Lutoslavski respeta el tema propuesto por Paganini, pero armoníza con su propio lenguaje sin pensar en dominantes y tónicas, es decir, las funciones tonales se anulan a favor de acordes por cuartas, con séptimas... es decir, incidiendo en la disonancia.

En el resto de variaciones Lutoslavski mantendrá la característica propia de esa variación o aspecto que la destaca, por ejemplo, en la primera variación se trabaja la métrica ternaria con los tresillos:


1º variación de las variaciones de Paganini, Lutoslavski

En la segunda aparecen bordaduras alrededor de las notas importantes todo en figuración de semicorcheas en Paganini, mientras que Lutoslavski lo varía cambiando el ritmo a fusas en el piano I mientras que el piano II cambia los acentos a la primera y última corchea de cada compás con la indicación sf realizando una variación rítmica:

2ª variación de las variaciones de Paganini, Lutoslavski


Otro ejemplo interesante de cómo adapta Lutoslavski su lenguaje manteniendo la esencia de la variación lo podemos encontrar en la variación 5. En la imagen siguiente podéis ver que Paganini diferencia dos planos o elementos (notas en verde o recuadro rojo). Esos dos elementos los podemos encontrar también en Lutoslavski aunque con más densidad y repartidos entre los dos pianos.


5º variación del Capricho 24, Paganini
5ª variación de las variaciones de Paganini, Lutoslavski



Podría seguir poniendo todas las variaciones pero ahora ya es tarea vuestra encontrar las diferencias entre ambas versiones. Para ello, os dejo también con los audios y así podéis apreciar de forma auditiva el lenguaje de cada compositor. 

Os dejo con las dos versiones, primero la de Paganini para violín solo:





Y la de Lutoslavski para dos pianos:





Hasta la semana que viene!



domingo, 21 de octubre de 2018

Va de cadencias (con juego incluido)


Os acordáis de las cadencias? hagamos un poco de repaso por si acaso...
Fuente: Pixabay

Las cadencias son los reposos que se producen en la música. Estas se clasifican según la tonalidad en la que nos encontramos y los acordes que intervengan.

¿Dónde se producen las cadencias? pues entre frases, subsecciones, secciones, etc.

Si lo comparamos con el lenguaje verbal,  un punto equivaldría a una cadencia conclusiva y una coma a una cadencia suspensiva

Fuente: Coral de Bach
En cuanto a la sensación que nos produce, las cadencias conclusivas dan sensación de final, no nos hace falta nada más y se podría concluir el fragmento. En cambio, las suspensivas requieren de una resolución. 

Bien es cierto que las cadencias no suelen aparecer solas. Forman parte de los fenómenos estructurales que ayudan a seccionar o estructurar las obras con lo que suelen aparecer junto a cambios de ritmo, densidad, dinámicas, etc.

Os dejo con una tabla de cadencias para que sepáis qué tipo son según las características que cumpla. Podéis ampliar o reducir puesto que está hecho con MindMeister.




Una vez hecho el mini repaso, a continuación os paso un juego elaborado con una plantilla de Genial.ly, a ver si ha quedado claro. 

¡No vale mirar la tabla mientras se hace!





Hasta aquí la entrada de hoy, espero que os haya gustado... próximamente publicaré un vídeo sobre la parte auditiva de las cadencias para complementar esta entrada, estad atentos...

Hasta pronto!




sábado, 20 de octubre de 2018

Propuesta de audio 7: Introducción a la música del siglo XX

Fuente: imagen propia

Hoy más que un audio os voy a recomendar un documental de unos 60 minutos (os lo aviso para que os planifiquéis).

Se trata del primero de los documentales de la colección Leaving Home presentados por Sir Simon Rattle con la City of Birmingham Symphony Orchestra, sobre la música orquestal del s. XX... Tranquilos! tienen subtítulos en español!! (de todas maneras se entienden muy bien).

Para que os hagáis una idea, los títulos de cada DVD son los siguientes:

  1. Dancing on a Volcano
  2. Rhythm
  3. Colour
  4. Three journey's through dark landscapes
  5. The american way
  6. After the wake
  7. Threads


Hoy os enlazaré el primero de los siete documentales que tiene la colección titulado Dancing on a Volcano. En él podemos escuchar junto a las explicaciones del director de orquesta (que nos sitúa en el contexto y explica brevemente las principales características de la pieza o compositor), fragmentos de las siguientes obras:

  • Richard Wagner: Preludio de Tristán e Isolda
  • Arnold Schönberg: La noche transfigurada
  • Gustav Mahler: Sinfonía 7 en mi menor
  • Arnold Schönberg: Cinco piezas para orquesta op. 16
  • Richard Strauss: Elektra
  • Anton Webern: Cinco piezas para orquesta op. 10
  • Alban Berg: Concierto para violín "A la memoria de un ángel"

El DVD se divide en las siguientes pistas:
  1. Introduction (0:32)
  2. Richard Wagner - The Tristan Chord (4:51)
  3. Vienna 1900 (1:51)
  4. Arnold Schönberg - Leaving Tonality Behind (8:12)
  5. Gustav Mahler - Precursor of Modernity (4:56)
  6. Richard Strauss - Progressive or Reactionary? (5:33)
  7. Schönberg again: Developing the Twelve-tone Technique (6:52)
  8. Anton Webern - Master of the Small Form (5:32)
  9. Alban Berg - Requiem for a Fallen Culture (12:41)


Como veis, los títulos de cada pista son muy significativos en cuanto al enfoque que le dan.

En mi opinión, estamos ante uno de los mejores resúmenes que nos puede situar en el paso del siglo XIX al XX. Toda la colección en sí es muy interesante e instructiva. El primero centrado más en el contexto y los otros en características propias de la música. Desde luego imperdible y recomendable al 100%.

Ya me diréis qué os parece, os dejo con Sir Simon Rattle y Dancing on a Volcano:




Hasta la próxima semana!



martes, 16 de octubre de 2018

Textura (explicación vídeo)


Uno de los fenómenos estructurales que más influyen a la hora de organizar o seccionar una forma musical es la textura.

Fuente: pixabay.com

La textura hace referencia a la relación que tienen las voces de una obra, de modo que suele ser un factor importante a tener en cuenta en el análisis musical. Es un término ambiguo puesto que un simple matiz nos puede hacer pensar en una textura u otra.

Hace tiempo que no publicaba ningún video, así que hoy he hecho uno que os voy a compartir para así dejar claro el término y las diferencias entre cada textura.

En el vídeo os aparece la explicación sencilla de las diferentes texturas con ejemplos y además, contamos con la colaboración estelar de dos grandes personajes políticos (gracias a voki.com), quienes tienen muy clara la teoría de las texturas y pienso que os pueden ayudar, estad atentos!

Ahí va el vídeo!




Para cualquier duda, escribidme, estaré encantada de ayudaros...

Por cierto, la entrada a la que se hace alusión en el vídeo la podéis consultar AQUÍ.

Hasta la próxima!


sábado, 13 de octubre de 2018

Propuesta de audio 6: Webern concierto op.24


En la entrada de hoy os propongo la escucha de una pieza un tanto peculiar. Se trata del concierto para nueve instrumentos op. 24 de Anton Webern, compuesto en 1934.

Anton Webern (1883 - 1945) fue un compositor austríaco de los considerados dentro de la Segunda escuela de Viena junto con su profesor Arnold Schönberg y su compañero Alban Berg.

El catálogo de obras de Webern no es demasiado amplio, además de que sus obras son muy cortas, su discrografía completa ocupa apenas dos cds. En ellas desarrolla la técnica del Dodecafonismo de una forma muy personal, de manera que es fácil reconocer su lenguaje.

En el concierto que os propongo hoy, se desarrolla la serie de 12 sonidos que adjunto a continuación:


Esta serie suena de la siguiente manera: 

Como veis se trata de 12 notas agrupadas en bloques de 3 cada uno (llamados tricordos). este tipo de ordenación es muy típico en las series de Webern. En este caso es característico que cada grupo de 3 notas tiene los mismos intervalos.

Pero ahora no entraré en el análisis de la pieza, eso lo dejamos para clase.

Hoy sólo pretendo que os fijéis en un aspecto que es conocido como Klangfarbenmelodie o melodía de timbres. Webern no es el único compositor que utiliza este recurso textural, hay ejemplos en Debussy, Schoenberg... y consiste en repartir la melodía entre varios instrumentos para que no la lleve uno solamente mientras el resto acompañan (como pasaba en la música tonal). En este caso, para seguir la serie tenemos que ir saltando entre pentagramas de manera que la melodía aparece de tres en tres notas cada vez en un instrumento diferente. Os pongo el inicio del primer movimiento.





Teniendo ya los mínimos para poder entender la pieza, a continuación os dejo con el vídeo del audio que muestra la partitura para que lo podáis ir siguiendo. A ver qué os parece...





Hasta la semana que viene!


martes, 9 de octubre de 2018

Adivina adivinanza ¿de qué compositor se trata?


Hola de nuevo, hoy os propongo un juego de pistas hecho con Genial.ly. Esta es la plantilla:



Es muy fácil, tan solo tenéis que ir pasando el ratón por encima de las pistas (interrogantes) a ver si sois capaces de adivinar de qué compositor se trata... 

En total hay 6 compositores ocultos.

Como pista de partida para que no sea tan difícil, todos vivieron en el siglo XX.

Espero que os guste!







sábado, 6 de octubre de 2018

Propuesta de audio 5: Messiaen y los pájaros


Más que una audición concreta hoy os voy a proponer que descubráis a Olivier Messiaen (1908 - 1992) y su relación con los pájaros.


Todo viene por esta imagen que esta semana facebook me recordó que la había compartido un año atrás. Aunque no he podido localizar la fuente, me recordó inevitablemente a Messiaen.

Messiaen fue un compositor francés que compaginó su labor compositiva y docente con el estudio de los pájaros. Sí, habéis leído bien, pájaros. Messiaen era ornitólogo y desde joven se dedicó a tomar nota en cuadernos de campo de los cantos de los aves indicando el tipo, lugar, hora y el canto propio (al dictado) de cada uno de ellos. 





A partir de esos cuadernos son varias las obras en las que aparecen cantos de pájaros, entre ellas:

Messiaen. Catalogue d'oiseaux. Ed.Alphonse Leduc
- Quartor Pour la Fin du Temps (1941) Olivier Messiaen utilizó el sonido de los pájaros en el movimiento Liturgie de Cristal.

- Turangalîla (1946 – 1948) donde el piano representa el sonido de los pájaros. 

- Le Merle Noir (1951) para flauta y piano.


Y para orquesta: 
    - Catalogue d’Oiseaux (1956 – 1958)

    - Réveil des Oiseaux (1953) 

    - Oiseaux Exotiques (1956)



En la imagen superior podéis ver el Catalogo de pájaros (Catalogue d'Oiseaux) donde cada pieza está dedicada a un pájaro concreto, aunque, tal como nos indica el autor en la edición señalada, hay un total de 77 cantos de ave diferentes que aparecen en la obra y el propio autor nos pone el listado por orden alfabético en diferentes idiomas. Os la pongo a continuación:


Messiaen. Catalogue d'oiseaux. Ed.Alphonse Leduc




Messiaen además, nos dejó libros como legado: Traité de rythme, de couleur et d’ornithologie o Técnica de mi lenguaje musical. En ellos nos explica su pensamiento y su forma de utilizar tanto el ritmo, los modos, los acordes... como análisis de obras de otros compositores, dejando poco lugar a la especulación acerca de su pensamiento y lenguaje.

Navegando por la red para buscar información complementaria, he encontrado una página muy curiosa que recopila el canto de pájaros, la podéis consultar aquí: https://www.canto-pajaros.es

Y a continuación os dejo con un vídeo del propio Messiaen explicando cada canto, la imagen del pajarito y su mujer Ivone Loriot traduciéndolo al piano.






¿Y ahora qué? Pues ahora ya es labor vuestra investigar... este curso analizaremos algunas de las piezas mencionadas. Os dejo con una de ellas y a ver si localizáis el pajarito 😉






Hasta la próxima!